Camille Corot: L’etang de Ville-d’Avray (El estanque de la Ville d’Avray)
1. Aproximación a la imagen seleccionada
En la obra L’etang de
Ville-d’Avray algo que me llamó la atención fue cómo se podía ver el leve
movimiento de los árboles, es decir, si la observas con detenimiento puedes
percibir cómo se mueven las hojas de este. En parte, esto es una de las cosas
que hace especial a la obra y al artista ya que esto es algo muy característico
de Corot. Otra de las cosas que más me llamó la atención fue la serenidad y la
tranquilidad que te trasmite la obra.
En ella se puede ver una muchacha
sentada, marcando el primer plano, mirando hacia la laguna con dos vacas a su
lado, rodeada de árboles. También se pueden observar unas casas a la otra
orilla del lago, marcando las distancias y la superposición de planos.
2. Ficha identificativa
El autor de la obra L’etang de
Ville-d’Avray es Jean Baptiste- Camille Corot. Fue realizada entre
1865-1870 y actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes en
Buenos Aires (Argentina) y fue adquirida por la Galería Witcomb. Esta obra es
característica de la escuela de Barbizon, es un paisaje pintado en óleo sobre
tela. Sus dimensiones son 40 x 61,5 cm.
3. Análisis denotativo
En esta obra podemos encontrar a una
mujer, colocada de espaldas al espectador, sentada a orilla de la laguna de
Ville-d’Avray. Realmente no es el tema principal de la obra, pero sí un detalle
muy interesante del cuadro. Se observan dos vacas a la izquierda de esta, en un
plano posterior marcado por los árboles, y unas casas al otro lado de la laguna.
Se pueden encontrar tres elementos característicos
en esta obra, la luz, el color y la técnica. La luz influye fuertemente en las
distintas tonalidades de los árboles, el estanque y otros elementos que se
pueden ver en las obras como las casas. Los
colores utilizados son, en su mayoría colores cálidos como el amarillo, el
verde… y, por último, la técnica pictórica que utiliza Corot es algo muy característico
de él, ya que, utiliza una pincelada suelta, pastosa y muy rápida, como manchas.
Con esta obra se pretende mostrar la
belleza y serenidad de la naturaleza. Esto es propio de un artista tan
extraordinario como Corot debido a que pretende transmitir al espectador de su
obra la naturaleza tal y como él la ve, parece una instantánea fotográfica.
4. Análisis técnico
Esta obra pertenece al estilo de la
escuela de Barbizón, en concreto de pintores franceses de la naturaleza, y, en el
momento en el que se crea la obra está naciendo la pintura impresionista.
Esta obra pertenece a la segunda
mitad del XIX y se pintó en Francia en la Ville d’Avray. Es claro el estilo
pues se muestran los aspectos significativos de la pintura paisajista (plein
air). Corot fue uno de los mejores paisajistas de su época y por eso, su temática
es clara y, el estilo que emplea en sus obras es muy característico. Los tonos grisáceos
y el empleo de la luz que se refleja en el agua los utiliza para resaltar ese
clima de ensueño que pretende reflejar en la obra y esto, es algo característico
de sus obras plein air.
Hace uso de pinceladas muy sueltas, rápidas
y pastosas, que adoptará más tarde el impresionismo, y le resta importancia a
los detalles. Por ello, tiene más importancia el color y la luz que el propio cuadro
y con todo ello se crea la armonía perfecta. En realidad, tanto en este pintor
como en los impresionistas el verdadero protagonista del cuadro es siempre la
luz.
Los precedentes del impresionismo son
los pintores de la Escuela de Barbizón, donde pintaban paisajes al aire
libre (plein air) y también, se debe mencionar a Boudin. Pero el
principal precursor del impresionismo fue Edouard Manet, influido por Courbet.
Corot y el impresionismo tuvieron influencias en algunos artistas muy reconocidos como son, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morist y su aprendiz más importante Camille Pisarro.
5. Análisis Connotativo
Desde mi punto de vista, esta obra transmite
lo que el autor pretende con ella, es decir, Corot pretende mostrar la belleza,
elegancia y serenidad de la naturaleza dando a entender que es un sitio tranquilo
donde puedes ir a pensar, a relajarte o simplemente desconectar. Al observar la
obra no se le presta mucha atención a los elementos que se ven, es decir, a los
animales o a la muchacha que se encuentra sentada, sino que se observa de forma
más detallada el conjunto del cuadro, la manera en el ambiente que crea la luz
dando una especie de tranquilidad y serenidad. Por todo esto, queda claro el
elemento principal, tanto de la obra como del impresionismo, la luz.
Kevin Peterson: Coalition II
1. Aproximación a la imagen seleccionada
La obra Coalition II es una obra que a simple vista llama la atención, pero ¿por qué? Los elementos figurativos que aparecen en la obra son algo llamativos ya que no es algo común ver a una niña con animales salvajes, es decir, es algo irreal. Algo llamativo de la obra es que realmente parece una fotografía, es decir, la perfección del detalle que tiene el artista a la hora de realizar la pintura es algo muy llamativo. Por lo que, lo especial de la obra es la facilidad que tiene Kevin Peterson a la hora de reproducir, casi de manera idéntica, lo que él está viendo cuando está pintando. Esta pintura necesita una clave interpretativa porque está llena de símbolos.
La imagen nos muestra una niña caminando, en un ambiente, aparentemente, urbano, en decadencia, por una calle desierta, cubierta de graffitis, acompañada de un oso, un mapache, y un zorro. También se puede observar un cuervo posado en un poste.
2. Ficha identificativa
El autor de la Coalition II realizada en 2015 es Kevin Peterson. Es una obra pintada en óleo sobre tabla y actualmente se encuentra en Thinkspace, Los Ángeles. Es una obra hiperrealista y, esta centrada en los diversos recorridos que tenemos a lo largo de nuestra vida y, en el contraste de la inocencia y la juventud en ambiente destruido. Sus dimensiones son 91 x 44 cm.
3. Análisis denotativo
Se pueden encontrar diferentes planos
en la imagen, primero, se pueden ver los postes amarillos, con un cuervo en uno
de ellos, llenos de graffitis, y, entre los postes y el conjunto de puertas de atrás
se encuentran los elementos figurativos de la imagen, es decir, una niña
caminando junto con un oso, un zorro y un mapache. Algo característico de las obras
de Kevin Peterson es que, en su mayoría, se encuentran en ambientes marginales,
urbanos o en decadencia, llenos de graffitis, rehechos por él, y una figura, la
mayoría de las veces femenina junto con un conjunto de animales salvajes. Las
sombras y los reflejos que utiliza en sus obras son únicos para cada una de ellas,
por lo que el dibujo, el color y el ambiente en el que se desarrolla la obra
son los elementos configuradores de la pintura.
En la obra se pueden observar un conjunto de elementos simbólicos, como son los animales salvajes, que pretenden transmitir diferentes cosas según la obra. Los animales salvajes según Peterson pueden tener diferentes significados, es decir, en ocasiones pueden ser guardianes de los niños, otras veces se puede considerar una representación de la fuerza interior de estos y otras simplemente son solo compañeros.
4. Análisis técnico
El estilo de sus obras es claro por
la manera en la que las representa. Kevin Peterson es un artista hiperrealista
de finales del siglo XX, ubicado en la comunidad artística de Houston. Actualmente
trabaja en Winter Street Studios.
Sus obras se caracterizan por mostrar
los diferentes caminos que va tomando una persona en su vida. En sus obras se
muestra el trauma, la soledad, la fuerza y el miedo y que todo ello es
necesario para poder sobrevivir en el mundo en el que vivimos e ir progresando.
A través de ellas, aunque se de un enfoque pesimista a simple vista, pretende
mostrar un nivel de esperanza optimista. Y en sus obras se muestran tanto la
dura realidad de la vida como el trauma personal de Peterson.
El escenario de sus obras se mueve
siempre en el mismo entorno, es decir, varios marginales, urbanos o decadentes,
y en ellas, siempre aparece la figura de una niña, en su mayoría. Con la figura
de esta, pretende mostrar el reflejo de la inocencia y de la esperanza de que
la gente aprenda de los errores que ha cometido con anterioridad y que de esta
manera el futuro se afronte razonando las cosas.
Entre los precedentes más remotos del
hiperrealismo nos encontramos la pintura francesa y holandesa ya que esta tuvo
un cuidado del detalle excepcional, parecían también realmente fotografías. Asimismo,
la pintura trompe l’oeil o trampatojo (técnica de engañar al ojo) es una
técnica que utilizan muchos pintores para dar un realismo muy grande de lo que
pintan y por ello, hay una línea de continuidad que el realismo siempre ha
mantenido de representar fielmente los temas como realmente suceden. Entre los
principales precursores del hiperrealismo encontramos a Richard Estes, Denis
Peterson, Audrey Flack y Chuck Close.
Las influencias posteriores no la sabemos por el simple hecho de que el hiperrealismo es una corriente actual y, hoy en día, esta corriente tiene muchos seguidores detrás. Además, se pueden encontrar realistas en, prácticamente, todas las escuelas de los países.
5. Análisis connotativo
En general, todas las obras de Kevin Peterson son algo impactantes y surrealistas debido a que no es algo normal encontrarse a una niña pequeña con un conjunto de animales salvajes ya que, si eso pasara en la realidad la niña saldría corriendo o pasaría algo totalmente contrario a lo que se muestra en la foto. No obstante, el contraste del mensaje de positividad y pesimismo que quiere dar Peterson es significativo y en mi opinión, tiene toda la razón. Pienso que por todo lo que él vivió, quiere transmitir el mensaje de positivismo ya que, después de haber pasado una etapa mala en la vida hay que buscar una forma de salir a flote e ir aprendiendo de los errores que has ido cometiendo a la largo de toda tu vida y, el hecho de tener a un animal ahí, de apoyo, la hace mucho más interesante.
Si no conoces mucho al autor probablemente
sientas curiosidad por sus obras y te impacten un poco, como a mí, ya que realmente
parece una fotografía y no un cuadro pintado al óleo sobre tabla.
Como ya he explicado con anterioridad
pretende evocar un mundo roto, lleno de trabas y en contraposición nos da una vía
de escape para seguir en el e ir superando todas las dificultades, tal y como
él lo hizo.
