INTRODUCCIÓN

En anteriores ocasiones, en otras tareas, he hablado sobre el término de estrategias visuales y se ha comprobado lo efectivas que son estas para el aprendizaje en los alumnos. Una de estas estrategias son los mapas mentales ya que, a través de ellos, aprendemos de una forma más simplificada 

Un mapa mental es un diagrama a través del cual, se representan diferentes conceptos o ideas, ordenados explícitamente de diversas maneras, todo ello alrededor de un concepto clave situado en el medio.

Con este trabajo se pretende conocer a fondo el concepto de mapa mental y su uso. Además, se explicará el desarrollo que he seguido para poder realizar mi propio mapa mental sobre el artista Jean Baptiste- Camille Corot, autor ya conocido debido a que he realizado diversos trabajos de él con anterioridad.

DESARROLLO

El creador de este tipo de estrategia visual fue Tony buzan, y según este:

            “Un Mapa mental es la forma más sencilla de gestionar el flujo de información   entre tu cerebro               y el exterior, porque es el instrumento más eficaz y creativo para tomar notas y planificar                       tus pensamientos”.

Un mapa mental tiene multitud de usos. Y todos ellos son estrategias originales para que los alumnos aprendan de una forma distintas, por ejemplo, pueden resumir todos sus apuntes en forma de mapa mental y, de esta manera, están aprendiendo de una forma más dinámica.

Según Buzan (1996:69) un mapa mental tiene 4 características esenciales:

1.  El concepto principal del mapa se encuentra en el centro de la imagen.
2.  De la imagen central salen subapartados, que son los temas principales.
3. Estos temas están formados por imágenes o palabras clave.
4. Todos los temas están relacionados entre sí.

La elaboración de un mapa mental se puede hacer de distintas maneras, pero según su creador se puede realizar en tan solo 7 pasos:

1. Centrar el mapa y buscar la posición idónea para colocar la imagen principal en el centro de este.
2. Situar la imagen o tema central en el centro de la hoja.
3. Hacer uso de multitud de colores.
4. Dibujar flechas o ramas que salgan directamente desde la imagen central y, cada una de esas flechas señalará uno de los apartados principales del mapa.
5. Para que sea más visual, realizar flechas o ramas curvas en lugar de ser rectas.
6. Escribir una palabra clave por línea.
7. Hacer uso de imágenes, de esta manera, será más visual y, además, si son imágenes que se relacionan con la imagen principal será mejor.

Cuando se comenzaron a utilizar este tipo de estrategias se realizaban de forma manual. Sin embargo, hoy en día, existen multitud de recursos tecnológicos con los que se pueden elaborar mapas mentales. Algunos de ellos son:

• Bubbl.us

• Gliffly.com

• Mindomo.com

Una de las ventajas de utilizar este tipo de estrategias en educación primaria es que, por ejemplo, los alumnos aprenden a resumir los conceptos aprendidos de forma sencilla y gráfica y, de esta manera, es mucho más fácil para ellos y, además, con la realización de estos, aumenta su creatividad.

Por ello, considero que los mapas mentales son una herramienta muy útil para que los niños estén motivados y con ellos, se fomenta un aprendizaje más significativo y se estimula el pensamiento lógico y creativo. Estos les pueden ayudar tanto para realizar apuntes como para memorizar distintos conceptos debido a que, en primer lugar, visualizan el tema central de lo que están estudiando, es decir, parten de un punto visual (que normalmente es más llamativo para ellos) y a partir de ahí, van relacionando los conceptos que están alrededor del tema principal.

MAPA MENTAL: CAMILLE COROT

Como se ha mencionado anteriormente, la estructura que he seguido para realizar el mapa mental es de izquierda a derecha (en el sentido de las agujas del reloj).

Se comienza con “Su vida” ya que, de esta manera, conocemos los datos más importantes del autor, por ejemplo, donde vivió, a qué países viajo y como ha influido esto en su trayectoria artística.

A continuación, he querido resaltar las influencias que tuvieron, en este caso, dos autores en dicho autor ya que, pienso que los autores que han podido influir en él han creado rasgos característicos en sus obras.

Para conocer realmente al autor, se debe hacer hincapié en la técnica que utiliza a la hora de realizar sus obras. De esta manera, podemos conocer lo que realmente ha caracterizado las obras de dicho artista.

Es imprescindible mostrar algunas de sus obras más características y, a través de ellas, conocer el tipo de obras que él realizaba.

No obstante, para que queda clara la idea, se mostrará un video explicativo:

CONCLUSIÓN

Por todo lo que se ha comentado anteriormente, pienso, que los mapas mentales son una estrategia muy útil tanto para aprender conceptos como para enseñarlos. Por ello pienso que esta actividad puede ser muy útil a la hora de llevarla a la práctica en clase tanto para enseñar a los alumnos el contenido a impartir como para enseñarles a realizarlos.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

Maíllo, F. (2020). Expresión plástica en la educación primaria | guias.usal.es. Guías académicas.                     https://guias.usal.es/node/48848 

Ministerio de Educación Perú, (2016). Modulo 1. Organizadores visuales digitales. Mapa mental.     Perúeduca. Recuperado de: https://cmapspublic.ihmc.us/rid=1N8841163-11GRD37-4DMX/Mapa_mental.pdf

Unir, V. (2020). Mapas mentales para niños: ventajas y 5 herramientas para crearlos. UNIR.                   Recuperado de: https://www.unir.net/educacion/revista/mapas-mentalesninos/#:%7E:text=Es%20una%20herramienta%20anal%C3%ADtica%20y,en% 20texto%20de%20los%20conceptos.&text=Los%20mapas%20mentales%20son %20%C3%BAtiles,memorizar%20distintos%20conceptos%20y%20temas.

Introducción 

Según Vázquez León, “Una línea de tiempo es una representación gráfica de periodos cortos, medianos o largos (lustros, décadas...)"

En esta actividad vamos a realizar una línea del tiempo sobre uno de los autores asignados: Camille Corot En ella vamos a escoger 10 de sus obras más importantes junto con un de sus autorretratos. En mi caso, he realizado una línea del tiempo (online) a través de la aplicación Tiki Toki y, además, con la aplicación PowerPoint he creado una infografía En la línea del tiempo de la infografía he añadido unos enlaces para que directamente, pinchando en la imagen, nos dirija a la explicación de las obras.

El enlace para ver la línea del tiempo es el siguiente: Línea del tiempo online

Y la infografía es la siguiente:

"Solo hay un maestro: Corot. Los demás no somos nada comparados con él. Nada" Claude Monet

 

Referencias bibliográficas 

 Introducción

En esta actividad se realizará una modificación en los colores de la obra de Kevin Peterson “Coalition II” y para ello, utilizaremos como referencia diferentes composiciones cromáticas haciendo uso del círculo cromático. Las diferentes composiciones son:

1. Armonía de complementarios divididos.
2. Armonía de análogos.
3. Armonía de dobles complementarios.
4. Triada equidistante.
5. Armonía monocromática.
6. Colores complementarios.

De esta manera, observaremos las diferentes combinaciones de colores en la obra original. Las diferentes imágenes de la obra de Kevin Peterson se han modificado a través de la aplicación Photoshop teniendo como referencia la foto original, hasta conseguir el resultado que se pretendía. La imagen que utilizaremos como referencia es la siguiente:

  1. Colores complementarios

Un color complementario es aquel que se encuentra en frente de otro color en el círculo cromático. El uso de estos colores es esencial para poder conseguir diferentes contrastes en las obras y por ello, si se hace uso de dos colores complementarios en una obra, esta combinación de colores producirá un impacto visual intenso ya que son opuestos. Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

 

 2. Armonía monocromática

Consiste en hacer uso de un solo color y de sus diferentes tonos. Es una armonía sencilla de utilizar y produce un efecto unificador y armonioso. Aunque, en ocasiones, puede parecer una obra aburrida y monótona podemos decir que al utilizar la misma gama de colores hace que la obra se vea de diferente manera produciendo en los espectadores un efecto de serenidad o armonía.   Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

   

3. Triada equidistante

Con la triada equidistante se utilizan tres colores que se encuentran equidistantes en el círculo cromático. Estos colores son diferentes entre sí, aunque, unos resaltan sobre otros y por esto, se generan grandes contrastes y llama mucho la atención. Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

   4. Armonía de dobles complementarios

+Se basa en dos parejas de colores que son complementarios entre ellos y están situados frente a frente. En ella se utiliza el principio del contraste, aunque se aplica a dos pares de colores diferentes. Al igual que la triada equidistante es una obra que ha simple vista llama la atención. Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

   5. Armonía de análogos

Los colores que se utiliza con esta armonía de análogos son aquellos cercaos entre sí, es decir, el color principal es el primario, por ejemplo, el amarillo, y los colores que tenga al lado, en el círculo cromático, dicho color son secundarios o terciarios parecidos al primario. Lo vinculante entre ellos es que comparten un tono y por eso, no se ve tan “sobrecargada” como otras obras. Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

   

6. Armonía de complementarios divididos

Con esta armonía se utilizan los colores adyacentes en vez del color opuesto y, de esta manera el contraste no será tan marcado. Se utilizan dos colores situados al lado de un color complementario en el círculo cromático y así, el contraste será el adecuado para que el cuadro no parezca sobrecargado. Los colores elegidos del círculo cromático y el resultado final de la obra haciendo uso estos son:

Conclusiones

Tras realizar la actividad, se puede observar que la gama de colores que el autor utiliza en su obra son elegidos específicamente, es decir, a través de los distintos colores se crean contrastes muy característicos y significativos en la obra y estos, pueden transmitir al espectador diferentes sentimientos. Por ejemplo, en obras más vivas o con más contrastes se podría utilizar la triada equidistante ya que, al ser colores totalmente distintos el contraste será mucho más grande que en una obra más armoniosa en la que se ha utilizado un armonía de análogos.

Referencias bibliográficas

Groppe. (s. f.). Color y Diseño III-Armonía del Color. Recuperado de: https://www.groppeimprenta.com/noticias/39-informacion-tecnica/124-color-y-diseno-armonia-color.html

Maíllo, F. (2020). Expresión plástica en la educación primaria | guias.usal.es. Guías académicas. https://guias.usal.es/node/48848

Peterson, K. (2016). Coalition II [Pintura]. Recuperado de: https://www.yatzer.com/kevin-peterson

 Camille Corot: L’etang de Ville-d’Avray (El estanque de la Ville d’Avray)

1.  Aproximación a la imagen seleccionada

En la obra L’etang de Ville-d’Avray algo que me llamó la atención fue cómo se podía ver el leve movimiento de los árboles, es decir, si la observas con detenimiento puedes percibir cómo se mueven las hojas de este. En parte, esto es una de las cosas que hace especial a la obra y al artista ya que esto es algo muy característico de Corot. Otra de las cosas que más me llamó la atención fue la serenidad y la tranquilidad que te trasmite la obra.

En ella se puede ver una muchacha sentada, marcando el primer plano, mirando hacia la laguna con dos vacas a su lado, rodeada de árboles. También se pueden observar unas casas a la otra orilla del lago, marcando las distancias y la superposición de planos.

2. Ficha identificativa

El autor de la obra L’etang de Ville-d’Avray es Jean Baptiste- Camille Corot. Fue realizada entre 1865-1870 y actualmente se encuentra en el Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires (Argentina) y fue adquirida por la Galería Witcomb. Esta obra es característica de la escuela de Barbizon, es un paisaje pintado en óleo sobre tela. Sus dimensiones son 40 x 61,5 cm.

3. Análisis denotativo

En esta obra podemos encontrar a una mujer, colocada de espaldas al espectador, sentada a orilla de la laguna de Ville-d’Avray. Realmente no es el tema principal de la obra, pero sí un detalle muy interesante del cuadro. Se observan dos vacas a la izquierda de esta, en un plano posterior marcado por los árboles, y unas casas al otro lado de la laguna.

Se pueden encontrar tres elementos característicos en esta obra, la luz, el color y la técnica. La luz influye fuertemente en las distintas tonalidades de los árboles, el estanque y otros elementos que se pueden ver en las obras como las casas.  Los colores utilizados son, en su mayoría colores cálidos como el amarillo, el verde… y, por último, la técnica pictórica que utiliza Corot es algo muy característico de él, ya que, utiliza una pincelada suelta, pastosa y muy rápida, como manchas.

Con esta obra se pretende mostrar la belleza y serenidad de la naturaleza. Esto es propio de un artista tan extraordinario como Corot debido a que pretende transmitir al espectador de su obra la naturaleza tal y como él la ve, parece una instantánea fotográfica.

4.  Análisis técnico

Esta obra pertenece al estilo de la escuela de Barbizón, en concreto de pintores franceses de la naturaleza, y, en el momento en el que se crea la obra está naciendo la pintura impresionista.

Esta obra pertenece a la segunda mitad del XIX y se pintó en Francia en la Ville d’Avray. Es claro el estilo pues se muestran los aspectos significativos de la pintura paisajista (plein air). Corot fue uno de los mejores paisajistas de su época y por eso, su temática es clara y, el estilo que emplea en sus obras es muy característico. Los tonos grisáceos y el empleo de la luz que se refleja en el agua los utiliza para resaltar ese clima de ensueño que pretende reflejar en la obra y esto, es algo característico de sus obras plein air.

Hace uso de pinceladas muy sueltas, rápidas y pastosas, que adoptará más tarde el impresionismo, y le resta importancia a los detalles. Por ello, tiene más importancia el color y la luz que el propio cuadro y con todo ello se crea la armonía perfecta. En realidad, tanto en este pintor como en los impresionistas el verdadero protagonista del cuadro es siempre la luz.

Los precedentes del impresionismo son los pintores de la Escuela de Barbizón, donde pintaban paisajes al aire libre (plein air) y también, se debe mencionar a Boudin. Pero el principal precursor del impresionismo fue Edouard Manet, influido por Courbet.

Corot y el impresionismo tuvieron influencias en algunos artistas muy reconocidos como son, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Berthe Morist y su aprendiz más importante Camille Pisarro.

5. Análisis Connotativo

Desde mi punto de vista, esta obra transmite lo que el autor pretende con ella, es decir, Corot pretende mostrar la belleza, elegancia y serenidad de la naturaleza dando a entender que es un sitio tranquilo donde puedes ir a pensar, a relajarte o simplemente desconectar. Al observar la obra no se le presta mucha atención a los elementos que se ven, es decir, a los animales o a la muchacha que se encuentra sentada, sino que se observa de forma más detallada el conjunto del cuadro, la manera en el ambiente que crea la luz dando una especie de tranquilidad y serenidad. Por todo esto, queda claro el elemento principal, tanto de la obra como del impresionismo, la luz.

 Kevin Peterson: Coalition II  

    1. Aproximación a la imagen seleccionada

La obra Coalition II es una obra que a simple vista llama la atención, pero ¿por qué? Los elementos figurativos que aparecen en la obra son algo llamativos ya que no es algo común ver a una niña con animales salvajes, es decir, es algo irreal. Algo llamativo de la obra es que realmente parece una fotografía, es decir, la perfección del detalle que tiene el artista a la hora de realizar la pintura es algo muy llamativo. Por lo que, lo especial de la obra es la facilidad que tiene Kevin Peterson a la hora de reproducir, casi de manera idéntica, lo que él está viendo cuando está pintando. Esta pintura necesita una clave interpretativa porque está llena de símbolos.

La imagen nos muestra una niña caminando, en un ambiente, aparentemente, urbano, en decadencia, por una calle desierta, cubierta de graffitis, acompañada de un oso, un mapache, y un zorro. También se puede observar un cuervo posado en un poste.  

   2. Ficha identificativa

El autor de la Coalition II realizada en 2015 es Kevin Peterson. Es una obra pintada en óleo sobre tabla y actualmente se encuentra en Thinkspace, Los Ángeles. Es una obra hiperrealista y, esta centrada en los diversos recorridos que tenemos a lo largo de nuestra vida y, en el contraste de la inocencia y la juventud en ambiente destruido. Sus dimensiones son 91 x 44 cm.

  3.  Análisis denotativo

Se pueden encontrar diferentes planos en la imagen, primero, se pueden ver los postes amarillos, con un cuervo en uno de ellos, llenos de graffitis, y, entre los postes y el conjunto de puertas de atrás se encuentran los elementos figurativos de la imagen, es decir, una niña caminando junto con un oso, un zorro y un mapache. Algo característico de las obras de Kevin Peterson es que, en su mayoría, se encuentran en ambientes marginales, urbanos o en decadencia, llenos de graffitis, rehechos por él, y una figura, la mayoría de las veces femenina junto con un conjunto de animales salvajes. Las sombras y los reflejos que utiliza en sus obras son únicos para cada una de ellas, por lo que el dibujo, el color y el ambiente en el que se desarrolla la obra son los elementos configuradores de la pintura.

En la obra se pueden observar un conjunto de elementos simbólicos, como son los animales salvajes, que pretenden transmitir diferentes cosas según la obra. Los animales salvajes según Peterson pueden tener diferentes significados, es decir, en ocasiones pueden ser guardianes de los niños, otras veces se puede considerar una representación de la fuerza interior de estos y otras simplemente son solo compañeros.

    4. Análisis técnico

El estilo de sus obras es claro por la manera en la que las representa. Kevin Peterson es un artista hiperrealista de finales del siglo XX, ubicado en la comunidad artística de Houston. Actualmente trabaja en Winter Street Studios.

Sus obras se caracterizan por mostrar los diferentes caminos que va tomando una persona en su vida. En sus obras se muestra el trauma, la soledad, la fuerza y el miedo y que todo ello es necesario para poder sobrevivir en el mundo en el que vivimos e ir progresando. A través de ellas, aunque se de un enfoque pesimista a simple vista, pretende mostrar un nivel de esperanza optimista. Y en sus obras se muestran tanto la dura realidad de la vida como el trauma personal de Peterson.

El escenario de sus obras se mueve siempre en el mismo entorno, es decir, varios marginales, urbanos o decadentes, y en ellas, siempre aparece la figura de una niña, en su mayoría. Con la figura de esta, pretende mostrar el reflejo de la inocencia y de la esperanza de que la gente aprenda de los errores que ha cometido con anterioridad y que de esta manera el futuro se afronte razonando las cosas.

Entre los precedentes más remotos del hiperrealismo nos encontramos la pintura francesa y holandesa ya que esta tuvo un cuidado del detalle excepcional, parecían también realmente fotografías. Asimismo, la pintura trompe l’oeil o trampatojo (técnica de engañar al ojo) es una técnica que utilizan muchos pintores para dar un realismo muy grande de lo que pintan y por ello, hay una línea de continuidad que el realismo siempre ha mantenido de representar fielmente los temas como realmente suceden. Entre los principales precursores del hiperrealismo encontramos a Richard Estes, Denis Peterson, Audrey Flack y Chuck Close.

Las influencias posteriores no la sabemos por el simple hecho de que el hiperrealismo es una corriente actual y, hoy en día, esta corriente tiene muchos seguidores detrás. Además, se pueden encontrar realistas en, prácticamente, todas las escuelas de los países.

      5.  Análisis connotativo

En general, todas las obras de Kevin Peterson son algo impactantes y surrealistas debido a que no es algo normal encontrarse a una niña pequeña con un conjunto de animales salvajes ya que, si eso pasara en la realidad la niña saldría corriendo o pasaría algo totalmente contrario a lo que se muestra en la foto. No obstante, el contraste del mensaje de positividad y pesimismo que quiere dar Peterson es significativo y en mi opinión, tiene toda la razón. Pienso que por todo lo que él vivió, quiere transmitir el mensaje de positivismo ya que, después de haber pasado una etapa mala en la vida hay que buscar una forma de salir a flote e ir aprendiendo de los errores que has ido cometiendo a la largo de toda tu vida y, el hecho de tener a un animal ahí, de apoyo, la hace mucho más interesante.

Si no conoces mucho al autor probablemente sientas curiosidad por sus obras y te impacten un poco, como a mí, ya que realmente parece una fotografía y no un cuadro pintado al óleo sobre tabla.

Como ya he explicado con anterioridad pretende evocar un mundo roto, lleno de trabas y en contraposición nos da una vía de escape para seguir en el e ir superando todas las dificultades, tal y como él lo hizo.

Referencias bibliográficas

Asimismo, Félix Nadar le retrató fotográficamente en diversas ocasiones.

Camille Corot fundó la escuela de Barbizon, en ella se encontraban diversos artistas del paisaje de alto reconocimiento. Junto con los demás artistas de la escuela se les considera los fundadores del impresionismo y, por ende, de todo el arte moderno. Corot influyó de manera significativa en los primeros pasos de Monet, Renoir, Berthe Morisot y su aprendiz más importante fue Camille Pissarro.

Camille Corot desarrollo en sus obras paisajes naturales. Además del paisaje, también se dedicó a pintar a la figura humana, realizando retratos de amigos y familiares y escenas de género. Sus obras se caracterizan por colores sobrios donde, a través de ellos, logró captar el entorno del lugar representado. En sus pinturas destaca el uso de la línea y las direcciones que éstas generan. También hace uso del punto como un elemento integrador y juega con el tono y el contraste ya que pretende reflejar la realidad del paisaje con una representación exacta. Asimismo, utiliza las innovaciones plein-air (aire libre) del impresionismo. Una de las técnicas utilizada por él fue el óleo sobre tela. Esta técnica se ve reflejada, por ejemplo, en El estanque de la Ville d’Avray. 

Otra técnica utilizada por él es la de grabado fotográfico (cliché-verre). Corot tiene diversas obras con esta técnica con una producción rica y variada, donde demuestra que la fotografía puede utilizarse para la investigación estética al igual que la pintura. El primer “dibujo sobre vidrio para fotografía”, fue de Camille Corot, Le bûcheron de Rembrandt (1853).

La atmósfera, el ambiente y el aire que existe y puede ser pintado, son muchas de las aportaciones que este artista reflejo en sus obras. Estas destacan por las composiciones, es decir, para apelar siempre se añaden personajes protagonistas, en esta caso no solo son personas sino parte de la naturaleza, en concreto los árboles. Cada árbol mantiene una personalidad para aportar a la obra una apariencia humanista. Otro aspecto fundamental, propio del romanticismo, es que, se intenta hacer ver que la vida en verdad es perecedera y que puede llegar a paralizarse para poder disfrutar con plenitud de la obra. Otra característica destacable es el lugar que ocupa el ser humano en el mundo, es decir, el ser humano colocado con delicadeza, incorporado en el medio y contribuyendo al espectador de la obra, con la capacidad de identificarse con ese sentimiento que se intenta transmitir. Lo que Camille Corot quiere es mostrar en sus obras como es el paisaje, tal y como él lo ve en la realidad.

Kevin Peterson:

Coalition II (2016)

Kevin Peterson ha realizado diversos espectáculos y exposiciones notables, por ejemplo, en marzo de 2019, expuso “Wild” (habitación principal) en la galería de arte Thinkspace Gallery.

Await (2019)

                                                                      

Referencias Bibliográficas:

Corot, C. (1840). Autorretrato [Pintura, óleo sobre papel fijado en lienzo]. Recuperado de: https://www.pinturayartistas.com/camille-corot-pintar-el-aire/

Corot, C. (1870). El estanque de la Ville d’Avray [Pintura, óleo sobre lienzo]. Recuperado de: https://www.bellasartes.gob.ar/coleccion/obra/2645/#:~:text=Museo%20Nacional%20de%20Bellas%20Artes

Corot, C. (1853). Le bûcheron de Rembrandt. [Dibujo sobre vidrio para fotografía]. Recuperado de: https://philamuseum.org/collections/permanent/199845.html?mulR=303958004%7C39

Hamzaoui, D. (10 diciembre de 2014). El suprarealismo de Kevin Peterson. Makamo. Recuperado de:  https://www.makamo.es/kevin-peterson-pintura/

Hiatus. (11 de enero de 2020). Le cliché-verre chez Camille Corot, un procédé photographique au service d’une expérimentation graphique en gravure. Recuperado de: https://hiatus-art.com/le-cliche-verre-chez-camille-corot-un-procede-photographique-au-service-dune-experimentation-graphique-en-gravure/

Jean-baptiste-camille-corot.org. (s. f.). Jean-Baptiste-Camille Corot Biography. Recuperado de: https://www.jean-baptiste-camille-corot.org/biography.html

Nadar, F. (s. f.). Camille Corot [Retrato]. Recuperado de: https://fotolenguaje.wordpress.com/2009/08/05/monografico-nadar-gaspard-felix-tournachon-1820-1910-el-grande-de-la-fotografia-que-retrato-a-los-mas-grandes-y-famosos-de-su-tiempo/

Peterson, K. (2019). Await [Pintura]. Recuperado de: https://www.artcollectorz.com/artworks/artwork-detail?artwork_id=20454&edition_id=26287

Peterson, K. (2016). Coalition II [Pintura]. Recuperado de: https://www.artcollectorz.com/artworks/artwork-detail?artwork_id=12582&edition_id=16087

Thinkspace Projects. (30 Agosto de 2020). Kevin Peterson biography & works. Recuperado de: https://thinkspacegallery.com/artists/kevin-peterson/